Projet 5 - Préparation à l'emploi
Photographie de studio
Réalisez les portraits professionnels de vos collègues pour mettre à jour votre portfolio, LinkedIn ou tout autre réseau social. Vous préparerez le studio en plus de prendre les photos et les retoucher !
✅ Remise
📁 Livrable final
1 - Photo professionnelle
Photo retouchée exportée au format PNG
2 - Photo noir et blanc
Photo retouchée exportée au format PNG
3 - Photo stylisée
(Si le temps le permet)
Photo retouchée exportée au format PNG
🧭 Objectifs
À la fin de cet atelier, tu auras développé ces compétences :
Comprendre les bases de la lumière en photographie.
Régler et positionner les sources lumineuses selon l’effet recherché.
Utiliser les accessoires de studio (réflecteurs, diffuseurs, fonds).
Maîtriser les réglages essentiels de l’appareil photo en studio.
Diriger un modèle pour obtenir un portrait naturel et expressif.
🏗️ L'atelier
Livrable final
Photo professionnelle de votre collègue en couleur
Cette photo devra pouvoir être utilisée sur LinkedIn par votre modèle. Assurez-vous donc que la pose est professionnelle, que votre modèle est à l'aise et que l'éclairage est parfait !
Photo de votre collègue en noir et blanc
Une photo de votre shooting qui sera retouchée en noir et blanc.
Photo de votre collègue stylisée (Si le temps le permet)
Laissez votre imagination aller pour cette photo ! C'est le moment de tenter quelque chose de spécial ! Vous aurez accès à un projecteur si vous voulez essayer de projeter une image derrière ou sur votre modèle.
🎓 La théorie
Sources lumineuses
Flashs de studio
Caractéristiques :
Lumière très puissante, déclenchée uniquement au moment de la prise de vue.
Durée extrêmement courte (1/2000e de seconde ou moins), ce qui fige les mouvements.
Nécessite un déclencheur (trigger) connecté à l’appareil photo.
Avantages :
Grande puissance = possibilité d’éclairer de grands espaces.
Pas de chaleur dégagée (contrairement aux lampes traditionnelles).
Idéal pour figer des sujets en mouvement (saut, cheveux qui volent, etc.).
Inconvénients :
Pas de lumière continue = difficile de visualiser l’effet avant le déclenchement.
Nécessite un apprentissage technique (puissance, synchro flash, déclencheurs).
Lampes continues
Caractéristiques :
Lumière allumée en permanence, comme une lampe classique.
Donne un aperçu direct du rendu avant la photo.
Avantages :
Facile à utiliser, pas besoin de déclencheur.
Très pédagogique pour les débutants : on “voit” l’éclairage directement.
Inconvénients :
Moins puissantes que les flashs.
Chauffent beaucoup (surtout tungstène/halogène).
Peu de flexibilité en extérieur (difficile à alimenter).
Panneaux LED
Caractéristiques :
Lumière continue, basse consommation.
Intensité réglable (dimmer) + souvent possibilité de changer la température de couleur (blanc chaud à froid).
Certains modèles sont RGB (milliers de couleurs possibles).
Avantages :
Ne chauffent pas.
Légers, portables et économiques.
Parfaits pour photo + vidéo.
Inconvénients :
Moins puissants que les flashs.
Peut nécessiter plusieurs panneaux pour un rendu lumineux fort.
Modificateurs de lumière
Les modificateurs sont les outils qui transforment la qualité de la lumière : douce, dure, dirigée ou diffuse.
Softbox
Boîte carrée ou rectangulaire avec surface blanche.
Donne une lumière douce et diffuse (réduit les ombres dures).
Idéal pour les portraits et les photos de produits.
Parapluie
Existe en version réfléchissante (argenté ou doré) et diffusante (blanc).
Moins précis qu’une softbox, mais facile à installer et très abordable.
Donne une lumière large, enveloppante.
Octabox
Variante de la softbox, mais octogonale (8 côtés).
Avantage : produit un reflet circulaire très esthétique dans les yeux.
Idéale pour la mode et les portraits artistiques.
Snoot
Cône qui concentre la lumière en un petit faisceau.
Donne un effet “spotlight” très dramatique.
Parfait pour éclairer un détail précis (cheveux, logo sur vêtement, arrière-plan).
Beauty dish
Plat métallique circulaire avec réflecteur au centre.
Produit une lumière contrastée mais douce → très populaire en beauté et mode.
Reflets naturels dans les yeux + bon équilibre entre ombres et détails.
Accessoires
Réflecteurs
Surfaces réfléchissantes (blanc, argent, or).
Utilisés pour renvoyer la lumière sur le sujet.
Argent → lumière brillante et contrastée.
Or → lumière chaude (effet coucher de soleil).
Blanc → lumière douce et naturelle.
Diffuseurs
Tissus translucides placés entre la lumière et le sujet.
Adoucissent la lumière en élargissant la surface de diffusion.
Alternative économique aux grandes softbox.
Gélatines colorées
Filtres colorés placés devant les sources lumineuses.
Permettent de créer une ambiance (rouge, bleu, violet…) ou corriger une couleur de lumière (CTO/CTB).
Utilisées pour donner une identité artistique à une photo.
Setup de lumière
Setup à 1 lumière
Un seul point lumineux suffit déjà pour créer un portrait de qualité. En photographie, on appelle cette source principale la key light. L’idée est d’utiliser son positionnement, sa distance et sa diffusion pour modeler le visage et obtenir une lumière naturelle et flatteuse.
On peut également s'aider en utilisant un modeleur de lumière (Soft Box, Parapluie) ou un réflecteur. Vous apprendrez plus tard comment les utiliser et à quoi ils servent.
Mise en place :
Placez la key light a environ 45 degrés par rapport au modèle
L'éclairage doit être légèrement au dessus du niveau des yeux, incliné vers le bas
L'intensité lumineuse doit être ajustée pour éviter les zones brûlées (overexposed)
Setup à 2 lumières
Avec deux lumières, on peut équilibrer les contrastes et obtenir un rendu plus uniforme. On conserve une lumière principale (key) et on ajoute une lumière secondaire appelée fill light (lumière de remplissage).
Lorsqu'on utilise plusieurs sources de lumière, il est très important qu'elles soient de températures équivalentes (Froide ou chaude) afin d'éviter des débalancements des blancs.
Mise en place :
Placez la key light a environ 45 degrés par rapport au modèle
L'éclairage doit être légèrement au dessus du niveau des yeux, incliné vers le bas
L'intensité lumineuse doit être ajustée pour éviter les zones brûlées (overexposed)
Placez la fill light en face du modèle ou légèrement en angle du côté opposé de la key light.
Réglez la fill light à une intensité plus faible (1/2 à 1/3 de l'intensité de la key light) afin de déterminer le contraste final
Résultat :
Des ombres plus légères et moins marquées
Un visage éclaire de façon plus uniforme, moins dramatique
Un rendu doux et agréable
Setup à 3 lumières
Avec trois lumières, on a le résultat le plus pro ! La troisième source de lumière nous permet de séparer le modèle du fond. C'est quasi obligatoire dans certains scénarios - si on prend une photo d'une modèle habillé en noir sur fond noir par exemple.
Mise en place :
Key light : à 45°, un peu au-dessus des yeux.
Fill light : en face, moins puissante.
Back light : placée derrière le modèle, orientée vers ses épaules ou ses cheveux.
On veut que le modèle soit devant la lumière afin de la cacher. C'est plus simple que de photoshopper après coup.
Résultat :
Le modèle est détaché du fond
Plus de profondeur et de relief
Rendu très professionnel - typique des portraits corporate et magazines
À noter qu'il est aussi possible d'éclairer le fond si vous utilisez un fond blanc afin de réduire les ombres d'arrière plan.
Astuces :
Taille de la source : plus elle est grande par rapport au sujet, plus la lumière est douce. Ex. un parapluie de 120 cm est plus doux qu’une softbox de 60 cm.
Distance : rapprocher la source rend la lumière plus intense.
Direction : lumière venant du dessus = naturelle (comme le soleil). Lumière venant du bas = dramatique (effet film d’horreur)
Histogramme : vérifiez que vos blancs ne sont pas cramés et vos noirs pas bouchés.
Testez toujours plusieurs setups avant de choisir celui qui convient à votre projet.
Réglages de l'appareil en studio
En studio, contrairement à l’extérieur, vous contrôlez entièrement la lumière. Cela signifie que vous ne dépendez pas de la météo ou du soleil, mais aussi que vos réglages doivent être adaptés à un environnement fermé, éclairé artificiellement. Voici les bases essentielles.
Mode de prise de vue
Mode Manuel (M) :
En studio, on photographie presque toujours en manuel.
Cela permet de garder une exposition constante, sans que l’appareil tente de corriger automatiquement.
Pourquoi pas le mode Auto ?
L’appareil ne “comprend” pas la lumière artificielle des flashs → résultat imprévisible.
Le contrôle manuel garantit la cohérence entre les photos.
Sensibilité ISO
ISO recommandé : 100 à 200
On veut une image la plus propre possible (sans bruit numérique).
Les flashs et lampes de studio offrent assez de lumière → pas besoin de monter en ISO.
⚠️ Monter en ISO peut servir si vous utilisez uniquement des lampes continues ou LED peu puissantes, mais à éviter si possible.
Ouverture (f/)
Choix selon l’effet voulu :
Portraits nets → f/8 à f/11 : profondeur de champ suffisante pour garder le visage entier net.
Détacher le sujet de l’arrière-plan → f/4 à f/5.6 : flou d’arrière-plan plus marqué.
Photo de groupe → f/8 à f/11 minimum, pour que tout le monde soit net.
En studio, on commence souvent à f/8 comme réglage “de base” → bon équilibre netteté / profondeur de champ.
Vitesse d’obturation
Avec flashs :
Dépend de la vitesse de synchronisation du boîtier (généralement entre 1/125s et 1/250s).
Exemple : 1/200s est un réglage courant → pas de flou, synchro fiable.
Avec lampes continues ou LED :
Adapter la vitesse pour éviter le flou de mouvement.
Exemple : 1/100s minimum pour un portrait statique, 1/250s si le modèle bouge.
Balance des blancs
Toujours régler la balance des blancs manuellement.
⚠️ Évitez Auto White Balance → risque de variations entre les prises.
Format des fichiers
RAW recommandé :
Maximum de détails, corrections faciles en post-traitement (exposition, balance des blancs).
JPEG possible pour des séances simples ou si l’espace de stockage est limité.
Exemple de réglages “de base” pour un portrait en studio (flashs)
Mode : Manuel
ISO : 100
Ouverture : f/8
Vitesse : 1/200s
Balance des blancs : Flash (ou personnalisée avec une charte)
Format : RAW
Diriger et mettre en valeur le modèle
Une photo réussie ne dépend pas seulement de la lumière et des réglages techniques : elle dépend surtout de la connexion avec le modèle et de la capacité du photographe à le mettre à l’aise.
Créer une relation de confiance
Accueil et mise en contexte : commencez toujours par expliquer comment va se dérouler la séance, quels types de photos vous allez prendre, et dans quel but.
Briser la glace : discutez de sujets simples, faites sourire, réduisez la pression.
Clarté : dites clairement que le modèle n’a pas besoin de “savoir poser”, que c’est votre rôle de le guider.
Astuce : commencez par quelques photos “tests” pour régler la lumière. Cela permet au modèle de s’habituer à l’appareil sans pression.
Posture et attitude générale
Pieds ancrés : demandez au modèle de se tenir droit, les pieds légèrement écartés ou dans une position confortable.
Dos droit mais détendu : corrige la posture sans paraître rigide.
Épaules : légèrement vers l’arrière et vers le bas, pour ouvrir la poitrine.
Mains : éviter de les laisser “pendre” – proposez des solutions (dans les poches, tenir un objet, poser sur la hanche, croiser les bras, jouer avec les cheveux, etc.).
Astuce : donnez toujours des instructions précises (“mets ta main dans ta poche gauche”) plutôt que vagues (“fais quelque chose avec tes mains”).
Expressions et émotions
Naturelles : évitez les “souris !” trop forcés. Préférez : “pense à un bon souvenir” ou “regarde-moi comme si on était complices”.
Variété : alternez entre regard caméra et regard au loin, sourire léger, sérieux, rires…
Dynamique : demandez des micro-mouvements entre chaque photo (tourner légèrement la tête, changer la direction du regard, incliner le menton).
Astuce : parlez pendant que vous shootez, commentez positivement (“parfait, continue comme ça”, “super naturel”) pour maintenir la confiance.
Angles flatteurs
Visage :
Menton légèrement levé pour éviter l’effet “double menton”.
Tête tournée à 30° → met en valeur les lignes du visage.
Corps :
Position ¾ face plutôt que 100% face caméra (effet plus élégant).
Déplacer le poids du corps sur une jambe → crée une posture plus naturelle.
Mains et bras :
créer des formes en “S” avec le corps → ajoute de la fluidité
Guider sans figer
Montrer des exemples : utilisez vos mains ou montrez la pose vous-même.
Progression : commencez simple (assis, debout droit), puis complexifiez avec des poses plus travaillées.
Micro-ajustements : “lève un peu ton menton”, “tourne légèrement tes épaules” → petits changements, un à la fois.
Trop d’instructions d’un coup = confusion. Corrigez un détail à la fois.
Astuces pour les portraits variés
Assis : appuyer un coude sur la table, pencher la tête, jouer avec un accessoire.
Debout : marcher doucement vers l’appareil, croiser les bras, s’appuyer contre un mur.
En mouvement : tourner sur soi, jouer avec ses vêtements ou cheveux, rire en bougeant → naturel garanti.
Maintenir une bonne énergie
Encouragez, souriez, félicitez le modèle.
Rythmez la séance : quelques pauses rapides pour éviter la fatigue.
Variez les poses et les ambiances pour éviter la monotonie.
✅ But final : Le modèle doit se sentir guidé, valorisé, et confiant. Un photographe qui sait diriger réussira toujours à obtenir un portrait naturel et professionnel, même avec une personne “timide” devant l’objectif.
Prise de vue
Une fois la lumière installée, l’appareil réglé et le modèle préparé, vient l’étape essentielle : capturer l’image. La prise de vue en studio demande rigueur technique et sens artistique.
Préparer son environnement avant de shooter
Vérifier le cadre : aucun objet ou câble indésirable dans le champ.
Tester la lumière : faire 1–2 clichés tests pour vérifier exposition, ombres et reflets.
Confort du modèle : s’assurer qu’il est bien positionné et détendu avant de commencer.
Choisir ses angles de prise de vue
Frontal (classique) : regard direct, portrait institutionnel ou corporate.
Trois-quarts : plus dynamique, met en valeur les lignes du visage et du corps.
Plongée légère : appareil légèrement au-dessus du regard → adoucit les traits.
Contre-plongée légère : donne de la prestance et un côté plus puissant.
Gérer la distance et la focale
Courte focale (35 mm – 50 mm) : plan plus large, inclut le buste ou le corps entier, mais attention aux déformations si trop près.
Moyenne focale (85 mm – 105 mm) : idéale pour les portraits serrés, respect des proportions, arrière-plan flou agréable.
Longue focale (135 mm +) : compression de l’image, effet très flatteur mais nécessite plus de recul.
Cadres et compositions
Plan serré (visage uniquement) : met en valeur les émotions et l’expression.
Plan buste : équilibre entre posture et regard.
Plan américain (mi-cuisses) : très utilisé en mode et portraits lifestyle.
Plein pied : utile si l’on veut montrer la tenue complète ou créer un portrait plus narratif.
💡 Pensez à la règle des tiers pour dynamiser vos compositions, même en studio.
Rythme de la séance
Séries courtes : déclenchez plusieurs fois rapidement quand le modèle bouge légèrement → capture d’expressions naturelles.
Pauses régulières : ne pas laisser le modèle figé trop longtemps, alterner les poses.
Feedback constant : “Parfait, continue comme ça”, “super, essaie maintenant de tourner un peu la tête” → crée une dynamique fluide.
Expérimenter avec la lumière pendant la prise de vue
Variez la position du sujet par rapport à la source lumineuse.
Testez une lumière principale dure, puis douce avec un modificateur.
Ajoutez ou retirez un réflecteur pour voir la différence.
Osez les gélatines colorées pour des ambiances créatives.
Capturer l’instant décisif
Même en studio, un portrait réussi n’est pas figé : il est le résultat d’un micro-mouvement, d’un regard, d’un sourire subtil.
Anticipez les moments naturels.
Soyez attentif aux expressions spontanées.
N’hésitez pas à déclencher plus que nécessaire → mieux vaut trier après que de rater le moment.
✅ Objectif de la section : savoir cadrer, varier les angles, gérer le rythme et capter l’instant tout en maintenant une relation fluide avec le modèle.
Retouches de base
La retouche en studio ne consiste pas à transformer une personne, mais à sublimer le portrait en corrigeant les petites imperfections, en harmonisant les couleurs et en renforçant l’impact visuel. Avec Photoshop CS6, vous avez tous les outils nécessaires pour faire une retouche propre et naturelle.
Préparer son fichier
Importer les images : ouvrir directement le fichier RAW (si disponible) ou JPEG.
Travailler en copie : dupliquez le calque d’arrière-plan (
Ctrl+J) pour toujours garder l’original intact.Organisation : renommer vos calques (ex. : “Peau”, “Couleur”, “Dodge & Burn”) pour un flux de travail clair.
Ajustements globaux (tonalité et couleurs)
Avant de retoucher les détails, on harmonise l’ensemble.
Niveaux (Ctrl+L) : corrigez la luminosité et le contraste pour donner du relief.
Courbes (Ctrl+M) : ajustez les ombres et lumières plus finement.
Balance des couleurs (Ctrl+B) : corrigez une dominante (ex. : trop chaud → ajouter du bleu, trop froid → ajouter du jaune).
Teinte / Saturation (Ctrl+U) : modérer ou intensifier certaines couleurs (ex. : réduire les rouges trop forts sur la peau).
Correction de la peau
L’objectif est d’obtenir une peau harmonieuse sans effacer la texture naturelle.
Outil Correcteur localisé (J) : clic sur les petites imperfections (boutons, taches, poussières).
Tampon de duplication (S) : pour corriger des zones plus larges (utiliser une opacité faible ~20% pour un rendu naturel).
Flou de surface (Filtre → Atténuation) : appliqué très légèrement, il adoucit la peau tout en gardant les détails.
💡 Évitez l’effet “plastique” : toujours garder du grain et de la texture.
Amélioration des yeux
Les yeux sont le point focal d’un portrait.
Éclaircir le blanc de l’œil : avec l’outil Densité - (O), exposition ~10%, éclaircir doucement.
Accentuer l’iris : pour renforcer la netteté.
Retirer les rougeurs : outil Pinceau de correction ou balance sélective (réduction des rouges).
Retouche des cheveux et détails
Cheveux rebelles : tampon de duplication ou correcteur localisé.
Accentuation des mèches : outil Densité + (O) sur les zones sombres, Densité – sur les reflets → effet plus vivant.
Lèvres : ajustez légèrement la saturation pour les rendre plus présentes, sans exagération.
Dodge & Burn (éclaircir et assombrir)
Technique simple mais puissante pour sculpter le visage.
Créez deux calques de réglage Courbes (un pour éclaircir, un pour assombrir).
Remplissez leur masque de noir et peignez en blanc avec un pinceau doux (opacité ~10%).
Éclaircir (Dodge) : zones de lumière naturelles (front, haut des joues, arête du nez).
Assombrir (Burn) : zones d’ombre (creux des joues, mâchoire, contours du nez).
Ajustements finaux
Accentuation générale : Filtre → Netteté → Accentuation (rayon ~1, gain ~80%).
Vérifier les couleurs : zoom arrière pour voir si les tons de peau sont naturels.
Recadrage (C) : ajuster la composition finale, garder une bonne respiration autour du modèle.
Exportation
En PSD : pour garder vos calques modifiables.
En JPEG haute qualité (80–100%) : pour l’impression ou le partage web.
Rappels : Triangle d'exposition
